La moviola es un invento de Iwan Serrurier que permitía la edición del celuloide. Su aparición data de 1924, y fue uno de los primeros utensilios que se utilizaron a la hora de ayudar al montador. Hasta ese momento, los pedazos de celuloide se miraban al trasluz para identificar cada uno de los fotogramas y así montarlos luego en un rollo completo.
En el siguiente video se muestra brevemente el proceso de edición de celuloide.
La moviola se basa en la proyección de la película, permitiendo su reproducción hacia delante, hacia atrás, o con movimientos más selectivos (frame a frame, por ejemplo)
Su uso se extendió rápidamente en los estudios mas importantes de todo el mundo, adaptándose continuamente a las diferentes innovaciones que acontecieron, (como la aparición de las bandas de sonido o el diferente tamaño de los distintos formatos utilizados).
Uno de los conceptos básicos en fotografía y cine es la exposición y el control de la misma. Dependiendo de cómo se trabaje este aspecto se pueden conseguir infinitos efectos en una imagen, si se siguen unas pautas determinadas. Una de las herramientas que se pueden utilizar para lograr un contraste o exposición adecuados a lo que se quiere reflejar, es la relación de contraste.
La relación de contraste es la diferencia lumínica existente entre dos fuentes de luz, que suelen ser la principal y la de relleno. Esta diferencia está representada en forma de relación X:1, siendo X la luz principal, y 1 la luz de relleno. Esta diferencia se expresa comúnmente con #F. Así pues, una relación 4:1 implicará que la luz principal es 2 puntos mayor que la de relleno.
Como ejemplos de la relación de contraste;
Relación de contraste baja:
En esta escena, todo mantiene un nivel de iluminación y detalle bastante similar.
Relación de contraste media:
En esta escena vemos como la cara de Clint Eastwood está ligeramente más en sombra en uno de los lados, pero sin embargo se aprecia detalle claramente en ambas partes.
Relación de contraste alta:
A pesar de ser el trailer, en este video se aprecia como en Eraserhead, la relación de contraste es muy alta, teniendo partes del fotograma completamente sin detalle.
La relación de contraste guarda relación casi directa con otro concepto fundamental en el mundo de la imagen; la latitud de exposición.
La latitud de exposición es la diferencia existente entre el punto más claro y el punto más oscuro de una imagen. A menudo, se conoce como rango dinámico.
El rango dinámico, refiriéndose a las caracterísiticas técnicas de una cámara, es la capacidad que tiene una cámara para captar diferentes niveles de luminosidad entre un blanco y un negro absoluto. Es decir, el rango dinámico está compuesto por cada una de las diferentes luminosidades comprendidas entre ambos puntos, medidas en #F.
Por tanto, un sensor que sea capaz de registrar 3 pasos únicamente de #F conseguirá una imagen infinitamente más contrastada que un sensor que consiga 15, puesto que el negro absoluto se consigue antes en el sensor con menos rango dinámico.
Se entiende como Pixel Aspect Ratio la relación entre los lados vertical y horizontal del píxel. Suele expresarse mediante una razón del estilo 1:1, donde el primer dígito corresponde al eje horizontal y el segundo al eje vertical. Así, por ejemplo, si el ancho del píxel es el doble que el alto, tendremos un "ratio" de 2:1.
El origen del PAR se remonta a la necesidad de traducir las lineas de los sistemas analógicos a píxeles, con la llegada de los sistemas digitales. El problema es que las líneas que conformaban una imagen analógica no siempre coincidían con una matriz ideal de píxeles cuadrados. Así pues, se tomó como referencia la "traducción" de las 625 líneas de los sitemas PAL a 567 píxeles, pero adaptando estos para que no fueran cuadrados, sino rectangulares. Así pues, quedó con un 59:54 PAR, frente al "normal"1:1.
En otro orden de cosas, el DAR,(Display Aspect Ratio), es la relación entre ancho y alto del frame o imagen final, y viene representado de la misma manera que el PAR.
La escena analizada, corresponde a la película Alphaville, del director francés Jean-LucGodard. Es del año 1965. En el fragmento seleccionado se juega con los cambios de plano y la iluminación para conseguir hacer partícipe al espectador de la situación por la cual pasan los personajes principales.
En profundidad, la escena comienza con un primer plano de ambos, bastante general, donde se describe la atmósfera ligeramente, para situarlos en un entorno espacial. La razón por la cual este plano es tan cerrado es porque el extracto al completo se basa en la intimidad y la complicidad que existe entre los dos personajes. Poco después, aparece un plano general de la calle, para dar a conocer al espectador que la policía les busca. Seguidamente, vemos un plano medio, donde volvemos a ubicar a los personajes. En este momento se suceden dos panorámicas en distintas direcciones, pero que en ningún momento implican un salto del eje. A continuación, un plano detalle del ojo de la chica nos indica que el discurso que va a pronunciar es introspectivo y personal, relacionado con su estado interior. La luz intermitente simboliza una alarma, que se "dispara" cuando una persona sumisa en principio. La iluminación que sigue a este plano es totalmente de contraluz, con un ligero relleno frontal, para conseguir mantener al personaje en penumbra dejando un margen lumínico mínimo. Esto contribuye a la sensación de intimidad, sobretodo al mostrarnos como el personaje masculino intima con el personaje femenino.
Los siguientes planos, la mayoría planos medios cortos o primeros planos, juegan con la proximidad de los personajes y su relación entre si, de forma que toman contacto físico directo, al contrario que anteriormente.
Posteriormente, un primer plano de los dos personajes juntos queda conformado como dos primeros planos diferentes gracias al trabajo de la luz. Así, en un primer momento ella queda iluminada mientras que él está ligeramente menos iluminado, y posteriormente se vuelve al contrario, quedando en un mismo encuadre, dos planos diferentes delimitados por la acción de la luz.
Poco después observamos un plano americano de ambos personajes, a contraluz totalmente, donde el interior de la estancia queda subexpuesto y el exterior cobra importancia respecto al comportamiento de los actores. Una panorámica nos guía desde el principio de la estancia hacia el fin de la misma. Finalmente, un plano general del cielo se yuxtapone con un primer plano largo de la actriz, sujetando un libro.
El género distópico ha sido siempre una fuente de ideas para el cine. Desde las adaptaciones de novelas como 1984, La naranja mecánica o Farenheit 451, hasta películas que no se basan en adaptaciones de otras maneras de representaciñon artística, como es el caso de Alphaville. Alphaville es una película de Jean-Luc Godard, uno de los "rebeldes" que dio lugar a la Nouvelle Vague.
Como distopía, nos presenta un futuro poco halagüeño, donde los sentimientos han sido suprimidos, y es delito lo que distingue a humanos de máquinas.
En rigurosísimo blanco y negro, y jugando con el contraste entre escenas, el film, casi paralelo a Farenheit 451, nos presenta en una época de cambio y revolución una situación que podría convertirnos a todos en un futuro no muy lejano en un Lemmy Caution cualquiera.
